「艺术展览」：“设计上海 2025”，以美学之名重新定义人类福祉

这一点在设计史的发展中早有迹可循。从19世纪呼吁回归手工艺、关注工人福祉的工艺美术运动（Arts and Crafts Movement），到20世纪现代主义致力于以理性设计改善大众生活，设计始终在回应人类福祉的需求。

正如设计思想家维克多·帕帕内克（Victor Papanek）所强调：“设计，若不是为人服务的工具，那它便是无用甚至有害的。”

当代社会面临生态危机、城市焦虑与健康挑战，设计也被赋予了更深的使命——不仅是创造美的物件，更关乎重塑人与环境、人与技术、人与社会之间的关系。

本次展览特别邀请近二十位青年工艺家参与创作，他们以大漆、陶瓷、金工、编织等非遗技艺为媒，呈现出一批承古而不守旧、以新意延续传统的设计作品。

这些作品并非单纯地重复技艺，而是深入手工的精神结构，在对技艺的体察中注入当代语言。

相较于西方当代设计史中，自20世纪后半叶兴起的“反工业化”手工热潮——例如意大利“孟菲斯集团”（Memphis Group），用工艺挑战现代主义理性、强调形式自由，Neooold的实践路径更深植于东方文脉的“养成”逻辑。

在这里，设计不再只是形态的构成，而是与地域、物性、时间和创作者自身气息相互交融的有机过程。

在居住美学不断深化的当下，设计师不再满足于功能性的空间解决方案，而是倾向于通过艺术品激发空间的情感温度与精神维度。从壁面上的绘画，到雕塑、装置、摄影及手工艺，艺术逐渐成为室内设计中不可或缺的“场域构成”，指向一种更为个性化与诗意化的生活方式。

“Collectible Design & Art”单元正是在这样的趋势下应运而生，集中呈现一系列介于艺术与设计之间、既具收藏价值又拥有审美实验性的作品。它延续了20世纪下半叶“设计艺术化”的潮流——从意大利Radical Design运动到20世纪80年代兴起的“设计画廊”（Design Gallery）机制，设计品逐步挣脱纯功能定位，转而成为具叙事性、观念性乃至哲学性的“可用艺术品”。

在此次策展中，观众可看到绘画、雕塑、装置等多种艺术媒介，与家具、灯具、空间道具跨界交融。

这种融合不仅提升了空间的美学张力，也为艺术家和设计师之间构建起协作共生的平台。

在艺术商业化日益成熟的今天，这一板块也回应了“如何在设计系统中为艺术留出自由的空间”这一命题。

遗憾的是，本次“Collectible Design & Art”展区因其特殊的策展机制，暂不对公众开放，仅面向业内专业人士与藏家开放预约参观。

SIXMODU将以媒体身份，借助一手获取的图文资源，带领大家探访这一对外未开放的展区，让读者一窥其面貌，探其一隅。

我们相信，哪怕只是视觉的片段，也足以让人感受到跨学科实践如何为设计赋能——使设计既扎根现实，又不断探寻其边界的艺术可能。

展览现场通过五大板块——品牌展览、工艺罗盘、三大主题屋（茶之屋、酒之廊、食之所）、未来工艺商店与论坛区，勾勒出一个跨越时间维度的“生活图景”。

“茶之屋”不只是展示茶器，更是当代茶文化的生活演绎；“酒之廊”借助了器皿对“待客之道”的精神延展；而“食之所”则通过器物呈现食物之外的家族记忆与感官层叠。

“工艺万花筒”不仅是一种美学隐喻，更是一种方法论。在这里，碎片化的传统不再被视为断裂，而被重新排列组合，成为新的视觉秩序。

这种逻辑在当代设计史中亦有回响，例如荷兰“荷兰设计”中的Droog Design就曾强调以碎片和修补构建新的叙事秩序。“Made in JDZ”呼应这种跨文化的重构精神，以东方材料与技艺为基础，构筑面向未来的工艺语言。

在全球语境下，“Made in JDZ”不再只是“Made in China”的标签延伸，而成为“Crafted in Culture”的新主张，既向历史致敬，也向未来发问。

Beyond Craft

Japan

日本匠心与

美学的新视角

日本设计之所以能够在全球语境中保持独特性，源于其深植于生活哲学中的“物哀”（mono no aware）、“侘寂”（wabi-sabi）等美学思想。

这种审美并不强调华丽或标新立异，而是在质朴与静谧中，体察物与人之间微妙的关系。

由此延展出的工艺精神，既是技艺的精进，也是生活方式的凝练，它要求创作者在时间的深流中反复打磨，将情感注入器物，让“物”本身拥有内在的温度。

“Beyond Craft Japan”正是基于这样的审美根基，从材料与技艺的层面出发，向观者呈现日本设计如何在全球现代化进程中坚持本土性。

无论是以天然材质制作的木器、纸品，还是融合现代工艺的陶瓷、金属与纤维艺术，这些作品背后都体现出一种时间的累积与人性的节制。

而在“Japan Brand × Craft”和“Japan CMF LAB”等板块中，我们看到的不只是风格化的东方意象，而是一个深具反思力的工艺体系：它既面向数字时代、响应技术挑战，也始终不忘对自然、材料与手作技艺的敬畏。

在与中国文化的对话时，日本设计展现出一种“相异而共振”的智慧——彼此共享东亚的哲思土壤，又各自发育出独特的设计语言。

正是在这种并置之中，我们得以从中发现一种跨文化、跨学科的“中间地带”，一种开放而复杂的美学路径。

由此也回应了今日设计界对“未来材料”“慢制作”与“日常美学”的重新关注。当大众设计日益趋向视觉冲击与功能最优化之时，日本的“造物”反而提出了一个不同的问题——设计是否仍能作为一种生活哲学的载体？

Re:

Materialize

材料美学趋势展

——设计的材料回归

在高速消费与信息爆炸的当下，设计早已不再只是形式与功能的叠加，而是回到根本之问：设计从何而来，又将走向何方？

“Re:Materialize 材料美学趋势展”正是在这样的思考中应运而生。它提出了一种更具前瞻性的设计路径——将“材料”放回创作最初的逻辑起点，即“材料设计前置”（Material-First Thinking）。

过去，材料常被视为设计的工具，是在概念与造型确定之后的“配角”。而如今，在面对气候变化、资源枯竭、社会情绪等多重挑战之际，材料被重新定义为思想的载体、情绪的触媒与文化的介质。

一个真正具有洞察力的设计，不仅要形之于外，更要质之于内——通过与材料的深度对话，唤醒感知、唤醒责任，也唤醒创作的本源。